สถาปนิกและศิลปินไม่จำเป็นต้องได้รับการแนะนำเป็นพิเศษแม้แต่กับสาธารณชนในยุโรป เขาเป็นสถาปนิกชาวรัสเซียที่มีชื่อเสียงที่สุดคนหนึ่งในต่างประเทศ ในปี 2549 ผลงานของเขาเป็นตัวแทนของรัสเซียที่ Venice Biennale และตอนนี้พวกเขาถูกเก็บไว้ในคอลเลกชันของพิพิธภัณฑ์ที่สำคัญที่สุดในโลกหลายแห่ง ได้แก่ พิพิธภัณฑ์สถาปัตยกรรมเยอรมัน (แฟรงค์เฟิร์ต) พิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัย MOMA (นิวยอร์ก), ก. A. V. Shchusev. ในยุโรป Brodsky เป็นที่รู้จักจากโครงการ "กระดาษ" เป็นหลัก: แนวคิดมากมายที่สร้างขึ้นร่วมกับ Ilya Utkin สำหรับการแข่งขันสถาปัตยกรรมญี่ปุ่น ผลงาน "เดี่ยว" ของ Brodsky - การติดตั้งบนเส้นแบ่งเขตแดนระหว่างสถาปัตยกรรมและศิลปะร่วมสมัยตลอดจนวัตถุรูปแบบเล็ก ๆ จำนวนมากเช่นการตกแต่งภายในร้านอาหารศาลาเชิงแนวคิดเป็นที่รู้จักกันในตะวันตก
ผลงานที่เลือกสำหรับจัดแสดงครอบคลุมช่วงสามสิบปีที่ผ่านมาและให้แนวคิดเกี่ยวกับเทคนิคต่างๆที่สถาปนิกทำงาน ในห้องโถงของชั้นนิทรรศการแรกของพิพิธภัณฑ์ - ผลงานของ Brodsky ในรูปแบบดั้งเดิมมากขึ้น นี่คือภาพวาดดินสอการแกะสลักการพิมพ์ซิลค์สกรีน ชั้นเดียวด้านบน - ผลงานใหม่ที่สร้างขึ้นโดยเฉพาะสำหรับนิทรรศการนี้: "ภาพกราฟิก" จากดินเหนียวและภาพวาดหมึกบนหลังคา
แม้จะมีเทคนิคที่หลากหลาย แต่นิทรรศการทั้งหมดก็ดูเหมือนคำพูดเดียวที่ออกแบบมาเพื่อให้ผู้เยี่ยมชมรู้จักกับธีมหลักและแรงจูงใจในการทำงานของสถาปนิก ในศูนย์กลางของบทกวีของ Brodsky นั้นเป็นเรื่องธรรมดาโลกแห่งความหลอนที่นำเสนอถ้าเราพูดด้วยการประชุมระดับหนึ่งในรูปแบบของการนำเสนอสถาปัตยกรรมคลาสสิก: ส่วนหน้าส่วนมุมมองมุมมองทั่วไป ศิลปินมุ่งเน้นไปที่การแต่งเพลงนอกเวลาอย่างแม่นยำมากขึ้น - ครั้งแล้วครั้งเล่าร่องรอยที่ผู้คนและประวัติศาสตร์ทิ้งไว้
ในห้องโถงหรือที่เจ้าหน้าที่ของพิพิธภัณฑ์นิยมเรียกกันว่า "สำนักงาน" ชั้นล่างเป็นผลงานของปี 1980 - ต้นปี 2000 ที่นี่ Brodsky เป็นผู้สืบทอดของ Pyranesianism ด้วยความเป็นอนุสาวรีย์และความหลอนอย่างไรก็ตามการจ้องมองของเขาคือการจ้องมองของนักโพสต์โมเดิร์นนิสต์ที่มีลักษณะประชดประชันการแบ่งชั้นของความหมายและการเปิดกว้างต่อการตีความที่หลากหลาย หนึ่งในธีมคือความสามัคคีของความสับสนวุ่นวายและความงามแบบคลาสสิกเอนโทรปีหลังสมัยใหม่และภาพเรเนสซองส์ การแสดงออกของมันมีทั้งในมุมมองเศษส่วนที่สับสนวุ่นวายด้วยการแนะนำองค์ประกอบหลักทางสถาปัตยกรรม - ปิรามิดและในรูปลักษณ์ของลูกตุ้มที่แกว่งไปมาภายใต้องค์ประกอบคลาสสิกเศษส่วนและความสับสนวุ่นวายทางอุตสาหกรรมที่จารึกไว้ในพื้นที่ของโดมในส่วนตามยาวซึ่งติดตั้งบน ฐานรากติดกับท่ออุตสาหกรรม สุนทรียภาพในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและลักษณะของงานรื่นเริงของชาวเวนิสสามารถได้ยินได้จากภาพบุคคลเชิงเปรียบเทียบของตัวละครธรรมดาบางตัว หนึ่งในนั้นราวกับเป็นการบอกใบ้ให้กับผู้ชม Brodsky เรียกเขาว่าสถาปนิก ส่วนที่เหลือของภาพเชิงเปรียบเทียบทำให้นึกถึงวีรบุรุษทั้งสองของความลึกลับในยุคกลางและบรรยากาศ "งานรื่นเริง" ของภาพยนตร์ตลกเรื่องเดลอาร์เตและเหนือสิ่งอื่นใดคือการถอดความของชาดกที่มีชื่อเสียงขององค์ประกอบหลักของ Giuseppe Arcimboldo ซึ่ง พวกเซอร์เรียลิสต์ถือเป็นหนึ่งในผู้บุกเบิก แทนที่จะเป็นองค์ประกอบหลักตามธรรมชาติ Brodsky มีองค์ประกอบทางสถาปัตยกรรม (เมืองในอุดมคติที่จัดขึ้นโดยสถาปนิกหอคอยแห่งบาเบลที่สร้างขึ้นบนหัวของตัวละคร) และสุนทรียศาสตร์ของสถิตยศาสตร์เป็นหนึ่งในกุญแจสำคัญในการดื่มด่ำกับโลกของเขา
ภูมิทัศน์อุตสาหกรรมของ Brodsky เต็มไปด้วยสุนทรียภาพแบบเดียวกัน ผลงานเหล่านี้เป็นการจมอยู่ในโลกแห่งจิตใต้สำนึกที่ครุ่นคิดซึ่งการเชื่อมต่อเชิงตรรกะถูกตัดขาด (หรืออย่างแม่นยำยิ่งกว่านั้นดูเหมือนจะถูกตัดขาด) และโลกที่บุคคลถูกลบออกจะกลายเป็นฮีโร่ ธีมคงที่เดียวกับที่ Brodsky ทำงาน: ชายคนหนึ่งอยู่ที่นี่และทิ้งร่องรอยไว้
การจัดแสดงส่วนใหญ่ถูกปล่อยให้ "ไม่มีชื่อ" ดังนั้นผู้ชมจึงปราศจากข้อความแจ้งซึ่งเป็นที่ยอมรับในศิลปะสมัยใหม่แน่นอนว่าผู้ชมในอุดมคติของ Brodsky คือผู้ที่มีความเข้าใจในประวัติศาสตร์และทัศนศิลป์อย่างแท้จริงสามารถนับเลเยอร์ของความหมายที่กำหนดจับภาพประชดโพสต์โมเดิร์นของศิลปินได้ในขณะที่ผู้ชมที่มีความซับซ้อนน้อยกว่าอาจรู้สึกไม่สบายตัวเล็กน้อยเมื่อถูกโยนเข้าไปในโลกภายนอก ความสัมพันธ์เชิงสาเหตุตามปกติ ผู้ชมสองประเภท - การอ่านสองประเภทและการตีความของผู้ดูที่ไม่เหมาะจะทำให้เกิดอารมณ์และนำไปสู่การเชื่อมโยงที่เป็นอิสระมากขึ้น
ผลงานชิ้นหนึ่งที่ใกล้เคียงที่สุดกับหนังสือภาพประกอบในนิทรรศการ "A Place of Common Prosperity" (1998) เป็นทั้งการทักทายโดยตรงกับภาพของ Piranesi Pantheon ผ่านจิตใต้สำนึกเชิงเปรียบเทียบของผู้เขียนและการพาดพิงถึงจิตใต้สำนึกที่เคร่งขรึม การกำหนดวัตถุโครงสร้างพื้นฐานในเมืองที่นำมาใช้ในสหภาพโซเวียตในปีพ. ศ. 2503 -x: ห้องสมุด - "วิหารแห่งความรู้" และตัวอย่างเช่นโรงภาพยนตร์ - "วิหารแห่งแว่นตา" ที่นี่ Brodsky ใช้เทคนิค "การอุปมาอุปมัย" เบื้องหน้าเราคือวิหารและเป็นต้นแบบของวิหารทั้งหมด แต่กระเป๋าเอกสารแบบมีเงื่อนไขในภาพวาดนั้นให้พลเมืองโซเวียตที่มีเงื่อนไขซึ่งแสดงอยู่ในหน้ากากของสิ่งมีชีวิตในตำนานที่มีหางของสุนัขซึ่งเข้ามาใน "วิหารแห่งสวัสดิการทั่วไป "ดื่มเบียร์สักแก้ว
ในพื้นที่เดียวกันยังมีการนำเสนอภาพร่างดินสอของอาคารสถาปัตยกรรมที่มีเงื่อนไขและวัตถุอีกจำนวนหนึ่ง ความสวยงามของสถิตยศาสตร์ยังเดาได้ง่ายในตัวพวกเขาและหนึ่งในวัตถุลึกลับที่สุดที่ปรากฎคือบางทีอาจเป็นการถอดความจากผลงานที่อ้างถึงมากที่สุดของ Rene Magritte
นิทรรศการจัดขึ้นในลักษณะที่ภาพร่างดินสอกลายเป็นภาพร่างสำหรับงานศิลปะของ Brodsky ซึ่งนำเสนอบนพื้นด้านบน ผลงานเหล่านี้เป็นผลงานของปี 2014 ซึ่งส่วนใหญ่สร้างขึ้นสำหรับนิทรรศการที่พิพิธภัณฑ์ Tchoban โดยเฉพาะ อาคารที่สร้างขึ้นในเทคนิค "กราฟิกดินเหนียว" ของผู้แต่งที่ไม่เหมือนใครหมายถึงทั้งอนุสาวรีย์สไตล์จักรวรรดิสตาลินนิสต์และปราสาทคาฟคาเอสก์ซึ่งไม่สามารถบรรลุได้ภายในกรอบของตรรกะของมนุษย์ นี่คือความต่อเนื่องของธีมหลักของ Brodsky - ร่องรอยที่หลงเหลือตามกาลเวลา กุญแจสำคัญในการตีความผลงานเหล่านี้และในความเป็นจริงกุญแจสำคัญในการจัดนิทรรศการโดยรวมคือวัตถุสองชิ้นที่ทำด้วยหมึกสีดำบนหลังคาอาคารที่ให้ความรู้สึกคล้ายกับแผนที่และแบบจำลองแอกโซโนเมตริกของโบราณสถานที่มีเงื่อนไข ดังนั้นอาคารดินที่มีรอยแตกร้าวจึงไม่มีอะไรมากไปกว่าสิ่งประดิษฐ์จากดินเหนียวในอดีต มันไม่ได้เป็นการประชดในจิตวิญญาณของลัทธิหลังสมัยใหม่: การสร้างหลังคารู้สึกเป็นวัสดุที่ได้รับความนิยมในการก่อสร้างเดชาของสหภาพโซเวียต
ในเรื่องนี้เป็นเรื่องที่น่าสนใจที่จะระลึกถึงโครงการที่ดำเนินการของ Brodsky สถาปนิก พวกเขาไม่ได้นำเสนอในนิทรรศการ แต่พวกเขาทั้งหมดอยู่ในลักษณะเดียวกับแนวคิดในการมุ่งเน้นไปที่ร่องรอยที่ทิ้งไว้โดยรุ่นก่อน ไม่ว่าจะเป็นศาลาสำหรับพิธีวอดก้าซึ่งสร้างขึ้นสำหรับเทศกาล Art-Klyazma, Rotunda ใน Nikola-Lenivets หรือร้านอาหาร Prichal 95 * ใกล้มอสโกวทั้งหมดนี้สร้างขึ้นโดยใช้การออกแบบของวัตถุอื่น ๆ ที่เคยมีอยู่: กรอบหน้าต่างประตู, บอร์ด.
เป็นที่น่าสังเกตว่านิทรรศการของ Alexander Brodsky ในเบอร์ลินใกล้เคียงกับนิทรรศการภาพวาดทางสถาปัตยกรรมอื่นที่พิพิธภัณฑ์ Martin-Groppius-Bau: "VKHUTEMAS - ห้องปฏิบัติการแห่งความทันสมัยของรัสเซีย" (ใช้ได้จนถึงวันที่ 6 เมษายน) นำเสนอภาพวาดยูโทเปียโดยนักเรียนของ VKHUTEMAS ของปี ค.ศ. 1920 โครงการยูโทเปียของสหภาพโซเวียตในทศวรรษที่ 1920 และการออกแบบกระดาษในทศวรรษที่ 1980 เป็นปรากฏการณ์หลักสองประการของการออกแบบกระดาษในศตวรรษที่ 20 ที่ได้รับการยกย่องจากรัสเซีย ในสภาวะวิกฤตเศรษฐกิจที่เติบโตอย่างรวดเร็วและการผูกขาดของการประชุมเชิงปฏิบัติการทางสถาปัตยกรรมขนาดใหญ่ในการออกแบบวัตถุที่สำคัญที่สุดเกือบทั้งหมดการออกแบบ "บนโต๊ะ" รอบใหม่เป็นสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ บางทีภาพวาดสถาปัตยกรรมและโครงการเชิงแนวคิดในช่วงครึ่งหลังของปี 2010 วันหนึ่งอาจกลายเป็นพื้นฐานสำหรับนิทรรศการพิพิธภัณฑ์ในอนาคต
นิทรรศการเปิดให้บริการถึงวันที่ 5 มิถุนายน 2558
